Under My Skin, Harmony Hammond Geoffrey Chadsey Steve Locke Robert Martin Logan T.Sibrel Samuel de Saboia Pedro Ruxa

Campeche presenta Under My Skin, una exposición en dos partes que explora el proceso de superposición como un medio para revelar parcialmente, oscurecer o filtrar las experiencias compartidas dentro de la cultura queer contemporánea. En conjunto, las obras crean múltiples puntos de entrada para el espectador, que está invitado a hacer una suerte de excavación personal, leyendo e interpretando el códice de signos y símbolos que forma parte de cada obra.

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  • "Las pinturas están estratificadas y se construyen a partir de sí mismas, de dentro hacia fuera. [...] De cerca las capas subyacentes de color son visibles a través de las grietas y hendiduras de la superficie. Se trata de lo que lo que se esconde, lo que se revela, lo que se entierra, lo que se amortigua, lo que sale de debajo....a superficie en tensión. tensión. ¿Podría ser la superficie pictórica, como límite entre el arte y la vida, un lugar de negociación?".

     

     

    —Harmony Hammond, A Manifesto (Personal) of Monochrome (Sort of), 2013
  • El punto de partida de la exposición es Harmony Hammond, artista, escritora y curadora, cuya figura ha destacado en el... El punto de partida de la exposición es Harmony Hammond, artista, escritora y curadora, cuya figura ha destacado en el... El punto de partida de la exposición es Harmony Hammond, artista, escritora y curadora, cuya figura ha destacado en el... El punto de partida de la exposición es Harmony Hammond, artista, escritora y curadora, cuya figura ha destacado en el... El punto de partida de la exposición es Harmony Hammond, artista, escritora y curadora, cuya figura ha destacado en el... El punto de partida de la exposición es Harmony Hammond, artista, escritora y curadora, cuya figura ha destacado en el... El punto de partida de la exposición es Harmony Hammond, artista, escritora y curadora, cuya figura ha destacado en el...

    El punto de partida de la exposición es Harmony Hammond, artista, escritora y curadora, cuya figura ha destacado en el desarrollo del arte feminista y queer desde la década de 1970. El primer trabajo feminista de Hammond combinó la política de género con preocupaciones posminimalistas de materiales y procesos, abriendo la puerta a futuras generaciones de artistas, escritores y pensadores queer.

     

    Los grommetypes (del inglés grommet, que se refiere a un ojal metálico) de Hammond, término acuñado por la escritora Lucy Lippard, son obras poderosas que ocupan un espacio entre la pintura y la escultura mientras insinúan la piel y los orificios del cuerpo humano. En un esfuerzo por interrumpir y desafiar la narrativa de la abstracción modernista, a favor deun discurso feminista y queer, estos monotipos de papel hecho a mano están perforados por una cuadrícula de agujeros. El campo cuadriculado de agujeros remachados abre físicamente la superficie de la pintura aludiendo a capas, espacios e historias enterrados debajo. Para Hammond, “se trata de lo que está oculto, amortiguado, cubierto o tapado, que empujadesde abajo, reafirmándose, sugiriendo agencia y voz”.

  • Utilizando una superposición similar de materiales, el artista Geoffrey Chadsey crea collages de una variedad de dibujos realizados con lápices... Utilizando una superposición similar de materiales, el artista Geoffrey Chadsey crea collages de una variedad de dibujos realizados con lápices... Utilizando una superposición similar de materiales, el artista Geoffrey Chadsey crea collages de una variedad de dibujos realizados con lápices... Utilizando una superposición similar de materiales, el artista Geoffrey Chadsey crea collages de una variedad de dibujos realizados con lápices...

    Utilizando una superposición similar de materiales, el artista Geoffrey Chadsey crea collages de una variedad de dibujos realizados con lápices y crayones solubles en agua sobre mylar que evocan las partes de un cadáver exquisito que se han ensambla do colectivamente. En Skull-Flip (2022), un tótem de múltiples cabezas humanas que se apilan una encima de la otra crea la ilusión de transparencia y amalgama de formas al remezclar múltiples obras en una sola. Estas figuras se encuentran en un estado constante de desprendimiento y transformación, cambiando entre géneros, marcos temporales y, a veces, incluso revelando la anatomía y composición humana.

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  • Conocido por sus pinturas de medios mixtos a gran escala, Samuel de Saboia aborda dicotomías existenciales como la vida y... Conocido por sus pinturas de medios mixtos a gran escala, Samuel de Saboia aborda dicotomías existenciales como la vida y... Conocido por sus pinturas de medios mixtos a gran escala, Samuel de Saboia aborda dicotomías existenciales como la vida y... Conocido por sus pinturas de medios mixtos a gran escala, Samuel de Saboia aborda dicotomías existenciales como la vida y... Conocido por sus pinturas de medios mixtos a gran escala, Samuel de Saboia aborda dicotomías existenciales como la vida y... Conocido por sus pinturas de medios mixtos a gran escala, Samuel de Saboia aborda dicotomías existenciales como la vida y... Conocido por sus pinturas de medios mixtos a gran escala, Samuel de Saboia aborda dicotomías existenciales como la vida y...

    Conocido por sus pinturas de medios mixtos a gran escala, Samuel de Saboia aborda dicotomías existenciales como la vida y la muerte, el dolor y el placer, y la virtud y el vicio. Al tejer patrones complejos de líneas y color, el artista revela fragmentos de su narrativa personal mientras explora temas que incluyen la sexualidad, la migración y el desplazamiento. En Earth Rising (2021), varias figuras parecen ceder y retroceder a través de líneas de color, evocando un mundo metafísico donde el cielo y la tierra, lo mortal y lo eterno, la realidad y los sueños, parecen coexistir.

  • Soy una artista visual y multimedia afroindígena queer de un país del Tercer Mundo gobernado por un aspirante a dictador....
    Soy una artista visual y multimedia afroindígena queer de un país del Tercer Mundo gobernado por un aspirante a dictador. Nací en un lugar que desde el primer día trató de hacerme fracasar, pero donde hay esperanza, hay belleza, y no sólo lograr sino inspirar es una tremenda bendición [...] Es el fuego, el amor, la vieja sabiduría, pero sobre todo es la esperanza.

    -Samuel de Saboia, revista i-D, 2020

     

    Samuel de Saboia
    Earth Rising, 2021
    Acrylic on canvas
    200 x 110 cm (78 3/4 x 43 1/4 in)

  • Una característica definitoria de gran parte de la práctica de Steve Locke es una exploración de cómo el significado y... Una característica definitoria de gran parte de la práctica de Steve Locke es una exploración de cómo el significado y... Una característica definitoria de gran parte de la práctica de Steve Locke es una exploración de cómo el significado y... Una característica definitoria de gran parte de la práctica de Steve Locke es una exploración de cómo el significado y... Una característica definitoria de gran parte de la práctica de Steve Locke es una exploración de cómo el significado y... Una característica definitoria de gran parte de la práctica de Steve Locke es una exploración de cómo el significado y... Una característica definitoria de gran parte de la práctica de Steve Locke es una exploración de cómo el significado y... Una característica definitoria de gran parte de la práctica de Steve Locke es una exploración de cómo el significado y... Una característica definitoria de gran parte de la práctica de Steve Locke es una exploración de cómo el significado y...

    Una característica definitoria de gran parte de la práctica de Steve Locke es una exploración de cómo el significado y la identidad se codifican a través del retrato, con un enfoque particular en el deseo masculino, la vulnerabilidad y las miradas. Desde la naturaleza seductora de sus pinturas hasta el registro familiar pero poco confiable de sus fotografías, dirige nuestra mirada para ayudarnos a ver de manera crítica e inquebrantable nuestra historia compartida. En glance painting #3 (2008), vemos el retrato de un hombre que parece intercambiar miradas, un modo en el que principalmente los hombres homosexuales se encuentran, responden, desean y se relacionan entre sí.

     

    El artista explica: "Si el arte es algo, es un discurso público. No hago arte porque intente expresarme o compartir mis sentimientos con el mundo, porque mis sentimientos no son diferentes de los de los demás. No soy especial por ser artista. Lo que puedo hacer es que la gente preste atención a las cosas a través de la composición, el color, la escala, la organización y los marcos conceptuales. Puedo hacer que la gente mire algo y piense en ello".

  • El artista Logan T. Sibrel fusiona un sinfín de experiencias personales que permiten al espectador entrar en la vida íntima... El artista Logan T. Sibrel fusiona un sinfín de experiencias personales que permiten al espectador entrar en la vida íntima... El artista Logan T. Sibrel fusiona un sinfín de experiencias personales que permiten al espectador entrar en la vida íntima... El artista Logan T. Sibrel fusiona un sinfín de experiencias personales que permiten al espectador entrar en la vida íntima... El artista Logan T. Sibrel fusiona un sinfín de experiencias personales que permiten al espectador entrar en la vida íntima...

    El artista Logan T. Sibrel fusiona un sinfín de experiencias personales que permiten al espectador entrar en la vida íntima del artista a través de distintos puntos, aunque de forma voyeurista. Sus pinturas y dibujos, que a menudo parecen collages, exploran la alegría y la belleza, pero también el miedo, la tristeza y la agresividad. Cada composición crea una narrativa multidimensional en la que las figuras se superponen y se relacionan entre sí, revelando enigmáticos retazos de una historia más larga, aunque fragmentada.

     

    "He empezado a darme cuenta de que todo lo que hago es una forma de ordenar lo que siento por una persona, un lugar o una cosa", explica la artista. "En cuanto a mis temas, me veo obligado a reafirmarme a través de varias iteraciones visuales hasta que alcanzo cierta sensación de claridad, y entonces sigo adelante. Esto siempre me ha servido para poder seguir haciendo obras, y tiene la ventaja añadida de que, de vez en cuando, hace que mi vida personal sea un poco más fácil de navegar."

  • Combinando figuras, palabras, colores y formas, las obras del artista Pedro Ruxa crean un diálogo íntimo, entre él y la... Combinando figuras, palabras, colores y formas, las obras del artista Pedro Ruxa crean un diálogo íntimo, entre él y la... Combinando figuras, palabras, colores y formas, las obras del artista Pedro Ruxa crean un diálogo íntimo, entre él y la... Combinando figuras, palabras, colores y formas, las obras del artista Pedro Ruxa crean un diálogo íntimo, entre él y la... Combinando figuras, palabras, colores y formas, las obras del artista Pedro Ruxa crean un diálogo íntimo, entre él y la... Combinando figuras, palabras, colores y formas, las obras del artista Pedro Ruxa crean un diálogo íntimo, entre él y la... Combinando figuras, palabras, colores y formas, las obras del artista Pedro Ruxa crean un diálogo íntimo, entre él y la...

    Combinando figuras, palabras, colores y formas, las obras del artista Pedro Ruxa crean un diálogo íntimo, entre él y la pintura, o el espectador y sus palabras. Ruxa crea constantemente nubes de palabras e imágenes en constante cambio y las pega en las paredes de su estudio, convirtiéndolas en el punto de partida de su obra. Sin embargo, explora simultáneamente las restricciones de este mismo lenguaje: ¿qué sucede antes o después de lo que vemos? Cuanto más tiende Ruxa a tomar el control de sus palabras, su vista y sus emociones, más incapaz es de contenerlo dentro del ámbito de la comprensión. Hablando de su práctica, el artista recuerda: “Cuando era niño, a menudo tenía la sensación de que la realidad era una ficción, como unapantalla de cine permanente con imágenes que se desplazaban, y de las que no formaba parte. Me sentía como un espectador pasivo de mi propia vida”.

  • En Valerie’s Letter (2021), Robert Martin habla sobre su identidad personal y su historia familiar. Este trabajo se relaciona con... En Valerie’s Letter (2021), Robert Martin habla sobre su identidad personal y su historia familiar. Este trabajo se relaciona con... En Valerie’s Letter (2021), Robert Martin habla sobre su identidad personal y su historia familiar. Este trabajo se relaciona con... En Valerie’s Letter (2021), Robert Martin habla sobre su identidad personal y su historia familiar. Este trabajo se relaciona con...

    En Valerie’s Letter (2021), Robert Martin habla sobre su identidad personal y su historia familiar. Este trabajo se relaciona con su tío y tocayo, Marty, quien murió por complicaciones del SIDA en 1994, el mismo año en que nació el artista. La poderosa composición revela una carta enviada por su abuela que describe el linaje de su familia, junto con una fotografía de su tío y un plato con una bolsita de té. La escena aparentemente ordinaria está bañada por la luz de un arco iris, que curiosamente sugiere la presencia de una fuerza que está más allá de lo que el ojo puede ver. En una entrevista reciente, el artista compartió que: “Interactuar con los artículos se sintió, de algún modo, como una conversación, y a través de estas interacciones pude explorar y cuestionar mi expresión de género sutilmente, permitiéndome comprender mi no binariedad de una manera segura y lenta.”