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Poco antes de viajar a Ciudad de México la semana pasada, le pedí a una colega periodista que ha cubierto durante años el arte del país algún consejo para una primeriza. “Los jóvenes artistas mexicanos son el verdadero motor vital de la escena”, me respondió. “¡Rinde tus respetos!”
Después de una semana recorriendo inauguraciones en galerías emergentes de la ciudad y visitando las propuestas de Material Art Fair y Salón Acme —eventos satélite de Zona Maco, la feria de arte más importante de la ciudad y de la región—, su afirmación resultó indudablemente cierta. Hay vitalidad, experimentación y riesgo que recorren a una generación emergente de artistas mexicanos representados por una ola de galerías que han abierto en su mayoría desde o durante la pandemia, entre ellas Campeche, PEANA, General Expenses y Pequod Co., entre otras.
Muchas de ellas estaban agrupadas en el primer piso de Material y, al conversar con un galerista o artista en un stand, era casi seguro que mencionaran a los demás.
Lodos, una galería ubicada a pocas cuadras de Salón Acme, ha sido clave en esta ola. Su fundador, Francisco Cordero Oceguera, comenzó el espacio como un project space en el sótano de un edificio en Chicago a inicios de la década de 2010, mientras estudiaba pintura en la School of the Art Institute of Chicago (SAIC). Cuando se graduó y venció su visa, regresó a Ciudad de México y continuó el proyecto mientras desarrollaba su propia carrera artística. Durante su estancia en SAIC, Oceguera entabló amistad con artistas hoy de alto perfil como Puppies Puppies y Korakrit Arunanondchai, a quienes siguió exhibiendo en el espacio Lodos, que consistía en el segundo piso de su estudio en Ciudad de México.
“Mi intención era crear un diálogo entre lo que me interesaba estética y conceptualmente. Asumí que muchos artistas que trabajaban aquí con un enfoque similar encontrarían el espacio y conectarían”, dijo Oceguera a ARTnews desde su stand el primer día de Material. “Y eventualmente ocurrió”.
El project space se transformó en galería en 2016, poco después de una inauguración particularmente efusiva de Arunanondchai, y Oceguera comenzó a representar artistas, orientando el programa hacia creadores locales y participando en ferias afines como NADA Miami, Liste Art Fair en Basilea y Paris Internationale. (Lodos también ha participado en todas las ediciones de Material).
En la edición de este año de Material, Oceguera presentó una muestra transversal del programa de la galería. En el centro del stand había dos esculturas humanoides extrañas construidas con prótesis infantiles por la artista radicada en Ciudad de México Berenice Olmedo. También se exhibía una pintura de Samuel Guerrero, quien el lunes inauguró una exposición contundente en el espacio de la galería en Juárez. La muestra gira en torno a una pintura de gran formato que propone una contra-historia de la identidad mexicana, fusionando símbolos de un pasado hipermasculinizado con un futuro industrializado. La pintura envuelve la galería, sumergiendo al espectador mientras algunas secciones son interrumpidas y unidas con tela de malla, problematizando el límite entre pintura y tapiz.
Cuestionar los límites de la identidad mexicana es una preocupación recurrente entre los artistas jóvenes que trabajan hoy en el país. En un stand cercano de Campeche —galería que abrió en 2020— colgaba un “dibujo sobre papel” (más parecido a una pintura de gran formato) de Abraham González Pacheco. Pacheco creció en un pequeño pueblo a varias horas de Ciudad de México que, según él, fue “escupido por la revolución”: no existe registro oficial, no pertenece a ningún grupo étnico reconocido y no puede rastrear su historia familiar más allá de sus abuelos. Utilizando pigmentos de óxido natural y grafito, Pacheco representa un choque entre culturas mesoamericanas y españolas, con referencias a la cultura obrera de sus padres y a maestros del arte mexicano como Diego Rivera.
“Está creando su propia identidad a través de mitos familiares y también cuestionando la historia oficial de México y la narrativa oficial sobre lo que es la identidad mexicana”, dijo Fátima González, cofundadora de la galería, a ARTnews. “Se trata de la homogenización de muchas culturas mexicanas. La obra es altamente política, pero también muy personal”.
En el mismo stand había obras de Ana Hernández, cuya exposición “LADI BEÑE” también abrió el lunes en la galería. En ella, Hernández hace referencia y desafía tradiciones de su comunidad zapoteca cercana a Oaxaca, como una danza ceremonial realizada por hombres con un gran pez dorado que la artista reapropia y performa en una instalación de video.
“No ha sido intencional”, dijo González sobre estas preocupaciones recurrentes con la identidad. “Pero nuestros artistas comparten una manera de entender, ver y habitar el mundo. El programa se ha creado con mucho afecto, así que estas conexiones han surgido de manera natural”.
Pequod, cofundada por los galeristas Mau Galguera y María García Sainz, abrió en 2020 en vísperas del confinamiento por Covid, después de años realizando proyectos y pop-ups independientes. Según explica Sainz, la motivación para abrir la galería surgió al observar el trabajo producido por artistas de su generación —millennials nacidos en los años noventa— y reconocer que existían pocos espacios dedicados a exhibirlos.
“Vimos que esta generación era muy fuerte y sentimos que necesitábamos comprometernos por completo con ellos”, dijo Sainz a ARTnews desde Material. “Tuvimos mucha suerte de que, durante el Covid, la gente empezara a mirar hacia lo local”.
Muchos de los artistas representados por la galería obtuvieron su primera representación formal con Pequod, aunque no porque estuvieran en etapas tempranas de sus carreras. Ante la falta de galerías que mostraran su trabajo, los artistas millennials mexicanos crearon sus propios espacios y colectivos en la década de 2010 para llenar ese vacío. Varios de los artistas de Pequod dirigieron esos espacios o estuvieron involucrados en ellos, como Andrew Roberts, quien creció en Tijuana y cofundó Deslave, y Cristóbal Gracia y Paloma Contreras, ambos de Ciudad de México, vinculados al influyente colectivo Biquini Wax EPS.
“Para esta generación de artistas, esperaron tanto tiempo a que alguien los representara e invirtiera dinero en ellos que tuvieron que convertirse en comunidad”, dijo Sainz. “Nos interesa mucho mantener eso: construir puentes con otras galerías, instituciones, tanto locales como internacionales, y con otras industrias”.
SAIC es un vínculo entre Lodos y PEANA, la otra galería más antigua de este grupo, fundada en 2017 en Monterrey y que representa al dúo ASMA y a Naomi Rincón Gallardo, cuyas obras se presentaron tanto en la galería como en su stand en Material. “Sinceramente, cuando empecé la galería, no había espacio para artistas de mi generación”, dijo su fundadora, Ana Pérez Escoto, a ARTnews. “Ahora hay muchas más alternativas, lo cual es fantástico”.
Escoto, quien realizó una maestría en SAIC, trasladó la galería a Ciudad de México en 2022. Según explica, sus artistas habían crecido lo suficiente como para que necesitara mudarse a Nueva York —donde dividía su tiempo— o a la capital mexicana. Nueva York no era económicamente viable, afirmó. Rincón Gallardo, veterana del circuito bienal —incluida la participación en el Pabellón de México en la Bienal de Venecia 2022— había participado en exposiciones colectivas, incluso en Lodos. Sin embargo, la muestra “Their Silhouettes Bristled with Razors” es su primera individual con PEANA y la exposición más grande que ha realizado en una galería comercial hasta la fecha. Incluye una instalación de video de 2023, Eclipse, así como acuarelas y objetos escultóricos que funcionan como storyboard o derivaciones de la película.
La fundación de Pequod y sus contemporáneas representa una profesionalización de la escena artística actual, que, según Sainz, está en muchos sentidos inspirada por Kurimanzutto y por la generación de artistas que emergió en los años noventa, como Gabriel Orozco, quien inauguró recientemente una retrospectiva en el Museo Jumex. Un proceso similar —artistas que comenzaron espacios y luego se trasladaron a galerías emergentes que eventualmente se consolidaron— ocurrió en Ciudad de México en los años noventa y principios de los dos mil. Sin embargo, como señaló Issa Benítez, fundador y director de Proyecto Paralelo y vicepresidente de GAMA (la asociación local de galerías), dar ese salto es algo con lo que las galerías de la ciudad suelen enfrentarse a dificultades, en gran medida debido al tamaño de la base de coleccionistas.
Courtesy of General Expenses/Photo by Bruno Ruiz
El salto de galería emergente a galería mediana y consolidada estaba en la mente de Álvaro López Ochoa y Ricardo Diaque, fundador y director de ventas respectivamente de General Expenses, cuando visité el espacio para la inauguración del lunes del artista capitalino Marek Wolfryd, cuya obra suele explorar la valoración del arte por parte del mercado mediante piezas que copian, recontextualizan y subvierten la historia del arte. En exhibición había tres esculturas que parecían amalgamas fundidas de obras icónicas de artistas contemporáneos como Yayoi Kusama y Anish Kapoor, así como de artistas modernos y premodernos. A la entrada de la galería se encontraba una obra de doble pantalla digital modelada a partir de las pantallas de Christie’s que aparecen en subastas; en ellas se proyectaban valoraciones en tiempo real de diversas mercancías, con un lenguaje visual y textual que imitaba al de la casa de subastas.
General Expenses surgió de un project space ahora desaparecido pero influyente, Ladron, después de que Ochoa y sus cofundadores no lograran ponerse de acuerdo sobre si profesionalizar el espacio antes de su participación en la edición 2019 de Material. Ochoa terminó ocupando el stand como General Expenses, mostrando prácticamente el mismo grupo de artistas, y en 2022 estableció la galería en el Centro —lejos de las escenas en la elegante Roma y el exclusivo Polanco—. Ochoa comenzó como coleccionista y amigo de la generación actual de artistas, frecuentando su escena de posgrado. La mayoría se graduó de SOMA, una organización artística local sin fines de lucro que ofrece un programa académico de dos años que, según Ochoa, es similar a una maestría en artes (MFA). El crecimiento y la reputación de la galería se han desarrollado de manera orgánica, según Diaque, quien anteriormente trabajó en Labor, una de las tres grandes galerías de Ciudad de México, junto con Kurimanzutto y OMR.
“Muchas personas gravitan hacia General Expenses porque es un terreno tan fértil para la experimentación, casi como un project space”, dijo Diaque. “Hay una energía que parece atraer no solo a curadores, sino también a otros artistas, coleccionistas e instituciones”.
Al igual que Lodos, General Expenses parece interesada en cultivar y preservar un espíritu más áspero y combativo. Como explicó Ochoa, ubicaron la galería en el Centro para destacar, aunque eso implique perder tráfico peatonal, y en lugar de las típicas cenas elegantes para coleccionistas, han organizado asados más abiertos con tacos y cerveza. La mentalidad, según Diaque, es similar a la de Donald Judd en Marfa: si lo construyes, vendrán.
“Si seguimos haciendo lo que hacemos y confiamos en los artistas con los que trabajamos, entonces nuevas generaciones [de coleccionistas] aparecerán”, dijo Diaque. “Lo único que tenemos que hacer es mantener las puertas abiertas y tener algo dentro donde un extraño se sienta bienvenido”.
Pero el crecimiento puede verse limitado, coincidieron ambos, tanto por la pequeña base de coleccionistas existente como por el hecho de que muchos nuevos y jóvenes coleccionistas tienen sus estrategias guiadas por sus padres, estéticamente conservadores. Penetrar el “oasis del 1 por ciento” en el país, como lo describió Ochoa, es un trabajo difícil que requiere cultivar relaciones intergeneracionales.
Durante la pandemia, una ola de galerías estadounidenses y europeas —al igual que muchos marchantes locales— abrió espacios con la esperanza de acceder a ese 1 por ciento, así como al flujo de expatriados estadounidenses y europeos que llegó entonces. La mayoría de esas galerías han cerrado desde entonces, algo que Ochoa y Diaque señalaron como evidencia de la dificultad de navegar las reglas no escritas de la ciudad. También es indicativo de que muchos de esos expatriados —muchos de los cuales ahora se están marchando— estaban interesados en Ciudad de México como un espacio barato y “fetichizado” de experimentación, según Diaque, y no como un lugar para comprar arte.
Julieta Gil's Millefleur (2025) en Salón Acme No.12 cortesía de Salón ACME / Fotos por Alum Galvez
La influencia de estas galerías se deja sentir en toda la ciudad durante la semana del arte. En Salón Acme, el patio central está ocupado por una instalación multimedia inmersiva de Julieta Gil —artista representada por Campeche— que cartografía la vegetación urbana. En el Museo Anahuacalli, un museo y espacio artístico arquitectónicamente impresionante construido por Diego Rivera para albergar su colección de arte prehispánico, una exposición de Paloma Contreras y Carolina Fusilier responde y recontextualiza el espacio a través de un futurismo mesoamericano inspirado en la ciencia ficción y las películas de terror serie B latinoamericanas. La primera exposición de Pequod fue con Contreras, mientras que Fusilier, quien vive en Oaxaca pero es originaria de Buenos Aires, expone con PEANA. En el Museo Tamayo, el principal museo público de arte contemporáneo, la muestra en curso “OTR”S MUND”S,” que funciona como una especie de panorama de artistas de Ciudad de México, incluye una importante instalación de Pacheco, representado por Campeche, así como obras de muchos otros artistas vinculados a las galerías mencionadas.
Sin embargo, la pregunta que sobrevuela a todas es si el mercado mexicano puede sostener el crecimiento de estas galerías más allá de su estado actual hacia algo más cercano a Kurimanzutto, o incluso hacia una escala moderadamente menor. Para Benítez, la clave será si las galerías logran atraer coleccionistas de fuera de Ciudad de México, como Monterrey, Guadalajara o Mérida, ciudades que cuentan con élites adineradas propias pero con poca experiencia en el coleccionismo.
“Por más que el mercado [en México] sea muy vulnerable y no esté realmente maduro, la escena artística no lo es”, dijo Benítez. “Los artistas aquí son increíbles… Pero el mercado no está a la altura. Esa es la contradicción”.
Cuándo se resolverá esa contradicción es una incógnita. Pero los artistas están ahí, esperando.
