Algo latente tiembla: Junio 20 - Agosto 8, 2026

Pensar lo vulnerable en el contexto actual implica connotaciones instintivas de fragilidad y desamparo. En su acepción más frecuente, el término remite a cuerpos, territorios o ecosistemas quebrantados, en relación a estructuras de poder marcadas por mecanismos de dominación y violencia sistémica.

La exposición colectiva Algo latente tiembla en Campeche indaga en el concepto de vulnerabilidad en tanto espacio simbólico y sensible, donde el sentido de la realidad se vuelve maleable. Cada una de las obras aborda esta condición como un estado de apertura a lo mutable, incierto e impermanente, que trasciende lo humano y lo sintiente.

Realizados por ocho mujeres artistas, los trabajos presentados rebasan toda experiencia subjetiva e individualizante, y proponen distanciarse de la concepción dual que suele oponer pasividad y acción, dependencia y autonomía, o unidad y alteridad. Aquí, las categorías se confunden y los contrarios cohabitan. Incluso la fuerza (creativa), el poder o el control –contrapartes antagónicas de la noción que nos interesa– se convierten más bien en su extensión. La vulnerabilidad aparece entonces como una energía que se construye, comparte y ejerce por encima de las lógicas tradicionales que articulan la coexistencia entre los seres terrestres.

- Kristell Henry 

La obra de María Naidich se interesa por la vitalidad y la potencia de la materia como agente mutable en el contacto con otros. Se aproxima a ella a partir de un vínculo colaborativo, en el que materiales y fuerzas naturales participan junto con ella del proceso creativo. Realizadas especialmente para la exposición, sus obras se componen de brazos de acero y pequeñas columnas de vidrio similares a las estructuras minerales conocidas como fulguritas. Estas resultan del impacto de un rayo sobre suelos arenosos, cuyas partículas quedan instantáneamente vitrificadas, convirtiéndose en testigos matéricos de los gestos súbitos de la energía atmosférica. Naidich imagina procesos análogos a estos fenómenos geológicos, generando materialidades híbridas que escapan a las formas de ordenamiento predominantes en el mundo científico. A la vez que sugiere una disposición para aprehender el mundo que elude las normas hegemónicas del conocimiento, su obra recuerda que todo aquello dotado de una forma física se encuentra en constante fricción con el entorno y las fuerzas intangibles que lo habitan, revelando el tránsito entre distintos estados como una condición intrínseca del ser.

Los ensamblajes de materiales orgánicos y domésticos de Jessica Wozny reinterpretan fotografías de sesiones terapéuticas capturadas en sanatorios europeos de los años 1920. Modelados en yeso o barro, cuerpos humanos abstraídos aparecen en posiciones de descanso y relajación. Se integran a las composiciones realizadas con fibras naturales y elementos textiles –prefabricados o confeccionados por la artista– que evocan formas de cuidado y contención, características de los procesos curativos. Además de promover el reposo, regímenes adaptados y tratamientos individuales –como la hidroterapia o el psicoanálisis– para sanar afecciones físicas y mentales, estos espacios propiciaban la convivencia prolongada y el contacto con la naturaleza. Aislados del mundo exterior durante largos periodos, sus habitantes compartían una experiencia marcada por la enfermedad, el dolor y la cercanía de la muerte. La aproximación de la artista a este contexto evoca la dimensión relacional e interdependiente de nuestra especie, así como la conectividad como una necesidad fundamental para el bienestar individual y colectivo.

Jessica Wozny, De la serie Sesiones/Sitzungen, 2022-25